苏轼之综合性绘画美学思想概述

苏轼是中国文化史上罕见的“全才”，其文艺思想深受儒、释、道三家涵泳，体现出一种“综合”的特色。本文主要探讨苏轼绘画美学思想中的综合性。一方面从社会背景、个人经历出发，探讨苏轼绘画关学的思想渊源；另一方面着重从“象外”与“常理”、形与神、道与艺、诗与画几方面入手，分析苏轼绘画美学思想中的综合性特点。     

论苏轼诗歌的绘画美

本文探讨了苏轼诗歌的绘画美。文章认为：1、苏诗的绘画美是自然美和艺术美的完整统一,包括常形之美、常理之美和传神之美。2、苏诗中绘画技艺的体现,有构图的变化节奏、点线艺术的构织、色彩的渲染烘托、笔情墨趣等四种。3、苏诗不是简单的“移画入诗”,而是比较全面系统地渗透了中国绘画的审美趣味和美学思想,是完美的诗画艺术的统一。     

画中有诗:中国古典绘画的追梦之旅

“画中有诗”是中国古典绘画特别是文人画的突出特点,但这一特点的形成有一个漫长的过程。汉魏六朝,诗歌开始影响绘画并推动了山水画的兴起;隋唐时期,诗歌意境在绘画中逐渐显现,王维的绘画已经被认为是“画中有诗”了;五代和两宋,绘画中的诗歌韵味越来越浓郁,“画中有诗”的特点逐渐形成;元明以后,随着文人画家成为画坛的主流和山水题材在绘画中占了主导地位,“画中有诗”的特点已经成熟了,之后又经过一步步完善,最后形成了诗书画印相结合的中国模式。值得指出的是,虽然文人画最能体现“画中有诗”的特色,但在文人画出现前,诗歌对绘画的影响早已经开始;文人画形成后,一些被认为是“画工”的画家也同样在积极地追求绘画中的诗歌意趣;“画中有诗”体现了中国绘画对诗歌意境的永恒追求,既不是文人画家的专利,也不是仅仅依靠文人画才能体现出来的。     

中国古典诗词的色彩美

苏轼《书摩诘蓝田烟雨》说:“味摩诘之诗,诗中有画.观摩诘之画,画中有诗”.又在评价杜甫诗时说:“少陵翰墨无形画,韩干丹青不语诗.”古希腊抒情诗人西蒙尼德也说:“诗为有声之画,画为无声之诗.”都说明了诗歌形象与绘画艺术有着不可分割的血肉联系.绘画借助视觉来表现形象,正如元人王履《华山图序》所说:“吾师心,心师目,目师华山.”诗歌的创作过程与绘画有着相似之处,也是从视觉形象向语言艺     

苏轼的诗歌及其时代

苏轼是北宋时期最大的文学家。苏诗闪耀着某种民主自由精神的光芒,表现出鲜明的主体意识,也发展了诗歌的艺术手法。其思想站在“时代前沿”,其诗歌中的现实主义与浪漫主义,创造了中国古代文学史的“新高度”。     

泰戈尔与苏轼诗歌宗教思想比较分析

泰戈尔与苏轼在世界文学史上都极具影响力,两人出生于不同国度、不同时代,不同的人生体验造就了诗歌主题与宗教思想的不同。泰戈尔诗歌宗教思想崇尚“宗教是通向上帝与自由之路”的理念;苏轼将“仁、善”看作人生最高的追求。通过对两人诗歌宗教思想比较分析,揭示其宗教思想内在的冲突与统一,为未来诗歌的发展提供理论支持和思想基础。     

宋代画意论

宋代是中国诗歌与绘画艺术高度繁盛并交融的时代,"尚意"的美学思潮决定了"意"被奉为诗歌与绘画创作的规范。通过宋代画论中的"画意与画形"、"诗画一律"等重要理论的考察,以期对宋代诗画理论的特点及其美学影响进行深入认识。宋代诗话多处提到"画意不画形",欧阳修、苏轼是其中的典型代表,同时,以诗句入画也为宋代文人画家所重视,"诗中有画,画中有诗"成为当时诗画艺术的一种创作追求和审美理想。宋代诗话中揭示出的诗学观念深刻影响和渗透到了绘画当中,从而提升了宋代绘画的价值和意义。     

“诗中有画”、“画中有诗”与唐宋诗画功能的互补

“诗中有画”、“画中有诗”所包含的诗画在功能上的互补性是它们不可或缺的美学内涵,然而两者在功能方面的意义一直未引起学界重视。从功能上讲,“诗中有画”主张诗歌应发挥绘画的愉悦情性的娱乐作用,它改变了诗唯雅正是尊的历史传统,避免了诗歌主题过于严肃、缺乏生活情味的弊端,体现了孔子“游于艺”的文艺功能思想。“画中有诗”则强调给绘画注入诗性特征,使绘画诗化、雅化,进而改善绘画在人们心目中的地位,以利于更好地发挥绘画的社会作用。     

王维诗歌英译研究述评

王维（701-761），唐代伟大诗人，诗歌、音乐、绘画兼擅，笃信佛教禅宗。因其绘画造诣，被誉为“南宗画派之祖”；因其以禅入诗被誉为“诗佛”；因其音乐造诣，初为官时为太乐丞。其诗歌因其以画入诗、以禅入诗、以音乐入诗闻名。MarshaL．Wagner曾说，“近几十年来，王维的诗歌翻译数量比其他任何一个中国诗人都要多。”（1981：i）从王维在我国文坛的地位及其庞大的英译数量来看，在中国文学走出去的进程中，王维的诗歌英译占据着举足轻重的作用。王维诗歌英译数量庞大，而学者对其诗歌英译的研究却相对较少。本文旨在梳理国内外对王维诗歌的英译状况及对其诗歌的英译研究情况，以为更多的学者在此领域进一步的研究做出一点微薄的贡献。     

自由的区别——从绘画思想论苏轼之别于陶渊明

崇尚自由是陶渊明和苏轼的共同特点之一,从文学方面来说,陶诗和苏词颇有相似之处。然而,苏轼的绘画思想中表达出的对自由的理解和追求方式,与陶渊明有着明显的不同。词发展到宋朝成为一种可以抒发豪情壮志的文体,绘画则是文人心理情绪的浮现,更能体现出作者最真实的心理感受。苏轼绘画思想中的自由倾向更接近他的真实想法,本文从苏轼的绘画思想入手,从四个方面讨论苏轼与陶渊明对自由的不同诠释和追求,进而在对比中分析陶渊明和苏轼对自由不同的追求方式,发掘中国传统文化中自由思想的蕴含。     

中西合璧的宁馨儿——闻一多诗歌色彩论

闻一多诗歌浓郁的色彩具有西方诗歌的风格 ,而其色彩的主体又具有民族性。闻一多的色彩观源于西方绘画 ,也源于中国的宫廷和民间色彩。诗人闻一多批判地吸收中西古今诗画观 ,形成了自己独特的诗画观 ,使其诗歌真正成为中西合璧的“宁馨儿”     

苏轼“以诗为词”涵义综论

苏词打破了诗词之间的界限，体现出词体不断向传统诗歌靠拢的趋势：题材上实现诗词合流，风格上诗词界限不断消弭，文本与音乐不断疏离，在功能上体现出由娱情向述志的转变，创作观念上诗词渐可等量齐观，技法上进一步向诗歌领域借鉴，这就是苏轼“以诗为词”的主要内容。苏轼之后词的诗化趋势越来越明显，“以诗为词”的创作方式，由“要非本色”逐渐为后来词人接受。     

苏轼贬谪诗歌的苦乐交织——从苏轼贬谪黄州时期的诗歌中探其心态变化

宋代大家苏轼在中国古代贬谪文学史的演进中有着突破性的重要地位。从贬谪文学的概念范畴出发,选取苏轼贬谪至黄州期间的所作诗歌,分析此时期的诗歌特点,以探讨苏轼在此时期的心态变化。其心态变化轨迹主要为初至黄州时的苦闷心情,然后通过游玩山水、诗酒唱和、躬耕自足等方式得以自我宽慰,但整体而言,此时的苏轼始终处于苦乐交织的矛盾心态中。     

东坡书画题材诗文的思想内蕴

苏东坡书画题材诗文是文学、书法和绘画三种艺术的融合,并由艺术层面上升到哲理高度。苏轼主张“寓意于物而不留意于物”,“与造物者游”,艺术上以“常理”论书画,体现了人与自然和谐统一的“天人合一”观。     

基于语料库的闻一多诗歌三美论研究--以唐诗《春晓》的五个英译本为例

诗歌翻译向来是文学翻译中被谈论最多、亦最难琢磨的领域。通过自建微型语料库,以唐诗《春晓》的五个英译本为语料,使用 Wordsmith4软件,对闻一多先生的诗歌“三美”论,即“音乐的美”、“绘画的美”、“建筑的美”进行客观量化分析,以期对诗歌对比研究有所裨益。     

论艾青的诗歌语言

艾青在诗歌语言理论上有自己独特的理解，他把“纯朴、自然、和谐、简约与明确”当作诗歌语言的最高规律，强调“绘画入诗”、“题材的语境”的重要性。从创作实践来看，其主要的语言审美特征与艺术魅力表现在三个方面：质朴自然．由于情感直达本质而产生了“动情”的艺术魅力；简约、明快，由于弹性强、张力大而给审美者提供了无比丰富的想象空间，能够充分地释放审美着潜在的意蕴和情绪，从而获得极大的审美满足；艾青引绘画入诗使用色彩达34种之多，同一诗中不仅颜色间彼此协调，组织结构合理，而且与其主题也紧紧相扣，十分和谐、题材的变化导致语言使用材料的变化，语言为题材的运用创造了良好的语境。艾青在诗歌语言上对中国新诗的贡献表现在：继承和发展了中国传统诗歌质朴自然的大众化语言风格；在新诗史上树立了精典大众化诗语的典范。艾青诗歌谣言对新诗的影响主流是正面的，但也有负面影响。     

苏轼“和陶诗”艺术风格论略

苏轼“和陶诗”问世以来，诗评家对其艺术成就褒贬不一。其实，苏轼“和陶诗”的创作，并未脱离现实生活，是作者在特殊境遇下，借陶渊明之酒杯，浇自我之块垒，是借鉴古人成功的艺术形式来抒发自我对现实的强烈感受，并在学习陶诗的艺术风格中，融入自我独特的风格。“和陶诗”体现了苏轼晚年的艺术追求倾向，与早年那些生机勃然的诗歌相比，“和陶诗”呈现一种跳动的闲淡、一种朴茂之美，诗风平淡自然，感情真笃充沛；超然淡泊，意与境合；托物言志，意在言外；写景传神，时见佳句。苏轼的“和陶诗”没有等同陶诗，而是自具本色。     

文人画的号角——苏轼画论

苏轼是十一世纪下半叶著名的文学家,艺术家,他诗文、书画无所不精。在绘画方面,他既创作了大量优秀的作品,同时,又是一个伟大的理论家.他的文人画论在我国古代绘画理论发展史上占有突出的地位,影响十分深远。 文人画,亦称士夫画,文士画,士人画,是北宋中期兴起的一个新的画派,主要成员有文同、苏轼、米芾等人。文人画是与院体面、工匠面对立的。当时的院体面、工匠画流于追求形似,注重工笔描绘,风格繁富艳丽,宣扬“重人伦、成教化”的绘画功能。苏轼对此深为不满,于是大力提倡文人画,形成一整套系统的绘画理论,成为文人画的号角。 一、功能论 苏轼倡导的绘画功能在于自适其意。 苏轼认为,绘画的目的只能是自适其意,而不是为了追求直接的功利目的。他在《书朱象先画后》一文中说: 能文而不求举,善画而不求售,文以达吾心,画以适吾意而已。以其不求售也,故得之自然。 这就突破了儒家教化思想的束缚,摆脱了绘画的功利性。苏轼的看法虽仍显片面,但其中进步的成分还是主要的。因为创作不为求名,不为求利,而仅仅为了表现自我,为了自适其意,这就使作画者精神放松,对画能够全神贯注.这样画出来的画才不会失之做作,失之雕饰。只有为自适而作画,才会使     

韵：宋代美学的新追求

“韵”是宋代诗歌美学的一个重要范畴,也是书画美学的一个重要范畴。“韵”和“胸次”有关,“胸次”又和圣哲之学、道义相关,与“俗”是对立的。综合宋代学者的看法,曹植、陶渊明被认为是有“韵”的诗人。“韵”是不可学的,是一种天生的灵性。范温在《潜溪诗眼》中对“韵”作了规定：有余意和美之极。从美学史的角度看,“韵”主要概括了欧阳修、梅尧臣．苏轼等诗歌美学的特征、     

痛苦的浪漫——浅论古典浪漫主义诗歌的理想

和西方上古的长篇史诗相反,中国古典诗歌以其强烈的抒情色彩在世界文学史上独放光华,而这中间最激动人心的往往就是那些洋溢浪漫激情的篇章。从《诗三百》的《蒹葭》到屈原的《离骚》、《天问》、陈子昂的《登幽州台歌》,乃至李白的《蜀道难》、《行路难》;李商隐的《无题诗》,直到苏轼、辛弃疾等人的豪放派诗歌,“在心为志,发言为诗”,其中闪烁